Íntimo es un proyecto de la Galería Max Estrella, que nace como espacio de reflexión durante el periodo de tiempo que dure la situación de emergencia.

El número 0 se publicó el 3 de abril de 2020. Desde entonces, semana a semana los artistas de la galería han ido mandando sus creaciones, las cuales se pueden ver a continuación, de manera cronológica.

Íntimo tiene como objetivo acompañarte en estos tiempos distintos.

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3 de Abril de 2020

Queridos amigos,

En estos tiempos difíciles, de incertidumbre, queremos compartir con vosotros un mensaje de ánimo. Es evidente el alto coste que la epidemia nos está provocando a todos. La herida es muy profunda y la cicatriz será muy visible.
Ante esta situación excepcional hemos reflexionado sobre qué os podríamos ofrecer que fuera distinto de lo habitual y le hemos dado carta blanca a nuestros artistas.

Nuestra idea es que durante estos días “distintos” podáis ver cosas “distintas” desde nuestro espacio que ahora, más que nunca, es el vuestro. El proyecto lo hemos bautizado como Íntimo. Si el arte puede reconfortar en un momento tan delicado, nosotros estamos obligados a dar un paso adelante porque no se puede vencer a la persona que nunca se rinde.

Nos despedimos con una frase de José Val del Omar que vale para estos y para todos los tiempos:

«Quien más da, más tiene: Matemáticas de Dios»

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4 de Abril de 2020

Aitor Ortiz

Pensamos que sobran las palabras. En estos tiempos no hace falta explicar nada. No obstante, os animamos a escribirnos si queréis.

Más allá del propio interés documental de la fotografía, Aitor Ortiz trabaja con el espacio, la arquitectura y los objetos como elementos de partida para plantearnos una serie de incógnitas visuales y cognitivas. Su interés se centra en las fricciones que surgen entre la representación y la percepción. Estableciendo conexiones entre el contenido de sus imágenes, los mecanismos conscientes e inconscientes que intervienen en el proceso de manipulación de la imagen, las propiedades físicas de los materiales con los que produce sus obras. Todo este proceso culmina en el espacio expositivo, donde la experiencia física nuevamente trasciende al propio contenido de sus fotografías.

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6 de Abril de 2020
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Eugenio Ampudia

Eugenio Ampudia se dirige a los pequeños de la casa. Esta semana están de vacaciones, así que os proponemos una clase de dibujo. Os animamos a padres y abuelos a practicar con los niños. Si deseáis mandarnos los resultados sois bienvenidos.

El trabajo de Eugenio Ampudia analiza, siempre desde posiciones críticas y mediante estrategias iconoclastas, las relaciones históricas formuladas entre arte y poder político, entre espacio público y control. A través de intervenciones y acciones, Ampudia resignifica los espacios en los que se materializan los conflictos que surgen entre un régimen visual unívoco y normativo con las estrategias de disenso y multiplicación de sentido que posibilitan las herramientas artísticas.

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8 de Abril de 2020
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Bernardí Roig

Hoy volvemos a cambiar de aires. Nos interesa mucho lanzaros mensajes distintos. En esta ocasión, Bernardí Roig «enjaulado» en su estudio y a su manera nos propone unos «Ejercicios para un tiempo clausurado» con los Sex Pistols de fondo.

El trabajo multidisciplinar de Bernardi Roig (escultura, video, dibujo, pintura, textos) es una reflexión obsesiva sobre el aislamiento, la pulsión erótica y el deseo a través de un destilado lenguaje de herencia minimalista y conceptual y que sitúa a la representación de la figura humana en el epicentro de su problemática. Sus obras obsesivas e inquietantes, se pueden entender como dispositivos de soledad en las que está presente la urgencia de “hablar desde la imposibilidad del habla”, tratando de encontrar figuras e imágenes para un tiempo desquiciado.

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13 de Abril de 2020

Nacho Martín Silva

En esta ocasión, Nacho Martín Silva nos propone, en colaboración con su hija Olivia, una danza no exenta de peligros. El artista nos conmina a leer libremente, dejando claro que hay que seguir dando pasos adelante.

Proyectada desde inquietudes vinculadas a conceptos como lo fragmentario, el simulacro y la representación o lo verosímil y tomando la Historia del Arte y de la humanidad o el propio proceso creativo como ejes, la pintura de Nacho Martín Silva podría calificarse como de acarreo y reconsideración.

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17 de Abril de 2020

Markus Linnenbrink

Todos estamos viviendo un presente muy distinto a nuestro pasado cotidiano. Del mismo modo, el artista comienza mostrándonos su presente confinado, donde apenas vislumbra lo que ocurre en la calle, para a continuación, lanzarnos a una secuencia vertiginosa de imágenes de la vida registrada en su teléfono móvil durante los últimos meses. Un pasado lleno de interacciones humanas que todos anhelamos. Un pasado que será nuestro futuro.

El paso del tiempo y su interpretación sirven como denominadores comunes a todo el trabajo de Markus Linnenbrink.

En sus piezas extremadamente coloridas, hay siempre un juego de capas superpuestas. Nos recuerda a todo, desde las maravillas de la naturaleza hasta objetos hechos por el hombre que inspiran nuestros sentidos. Cada capa es un momento en el tiempo, una manera de interpretar y reflexionar sobre la existencia.

Para tener futuro, debemos vivir el presente, recordar el pasado, y crear distintas versiones de utopías una y otra vez.

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20 de Abril de 2020

Val del Omar

A mediados de los 70, Val del Omar se confinó voluntariamente en su laboratorio PLAT (Picto, Lumínica, Audio, Tactil) donde habilitó una pequeña celda a modo de dormitorio. Allí se dedicó a crear en lo que él llamaba «el jardín de las máquinas». A través de la Truca, una mesa analógica de efectos visuales de su propia invención, realizó esta pieza que aún hoy sorprende. El sonido forma parte del extenso archivo sonoro que Val del Omar recogió a lo largo de su vida.

Creador de un talento artístico y tecnológico extraordinario, »creyente del cinema» e iluminado por unos nuevos horizontes que formuló mediante las siglas PLAT –que equivalen al concepto totalizador de Picto Lumínica Audio Táctil–, Val del Omar fue contemporáneo y camarada de Lorca, Cernuda, Renau, Zambrano y otros nombres mayores de una Edad de Plata truncada con la guerra.

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24 de Abril de 2020
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Marco Godoy

Os proponemos finalizar la semana con una serie de «ejercicios» realizados por Marco Godoy en plena naturaleza. Un confinamiento muy distinto al habitual.

Al artista, la cuarentena le sorprendió en Chile, tras inaugurar una exposición en Santiago. Una vez desatada la alarma sanitaria en Madrid, sin vuelos y con todo parado, se ha retirado a pasar este tiempo al campo chileno. El terreno, lleno de rastros de cerámicas indígenas, conchales precolombinos y herramientas líticas, le ha permitido conectarse con otros registros del tiempo.

Asombra lo bien que se desenvuelve el artista sin medios y totalmente aislado.

Todas las imágenes están pensadas para observarse con la misma calma con la que los videos ralentizan la realidad.

El trabajo de Marco Godoy gira entorno a la autoridad, el poder, y como estas estructuras sociales invisibles se manifiestan. Así, emplea el espacio expositivo como un lugar de respuesta a momentos concretos de nuestro contexto social y político.

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27 de Abril de 2020

Almudena Lobera

Almudena Lobera lleva trabajando desde sus inicios con la ventana como marco arquitectónico, pictórico, histórico, doméstico y virtual. En varias de las residencias que ha realizado ha utilizado la ventana de su estudio como punto de partida para sus proyectos sobre percepción, representación y memoria. En estos tiempos de cuarentena, de ver la vida a través de esas dos ventanas físicas y virtuales que nos separan y nos conectan, Almudena Lobera ha creado esta breve pieza, Still Frame, a partir de unas fotografías documentales del que fue su estudio en Gante (Bélgica) en 2016 y de un viejo álbum de fotografías sin fotos que encontró en la calle. Aludiendo al misterio del panel robado del Altar del Cordero Místico de los hermanos Van Eyck, Almudena realizó una intervención en su estudio, construyendo un retablo empaquetado con las mismas formas que el ventanal que allí tenía. Una acción poética para capturar el paisaje y el tiempo. Las ventanas quedaban así transformadas en superficies pictóricas místicas y misteriosas. Curiosamente, el álbum desvencijado contenía numerosas ventanas/paspartús de forma similar a las del espacio. La historia sobre «un continente de contenido desaparecido» iniciada en la intervención en el espacio parece completarse en las hojas de ese libro de memorias fugadas.

La obra de Almudena Lobera (Madrid, 1984) propone otras formas de entender la imagen y de configurar lo visible, de aproximarse a lo que (no) vemos, a lo que queda oculto o a aquello que, estando presente, se encuentra en un estado intangible. Su práctica abarca diferentes medios: dibujo, escultura, instalación, proyectos site-specific, acciones documentadas… Plantea maneras alternativas en la relación entre las obras, el espacio y el espectador, poniendo en relación la historia, lo tradicional y lo establecido con la inmaterialidad del mundo digital en el que
vivimos.

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30 de Abril de 2020

Daniel Canogar

Mi única salida diaria durante la cuarentena es mi paseo matutino con mi perra, Lluvia. Con la ciudad vacía y abandonada, he visto cómo día tras día las plantas van comiéndose la ciudad. Me ha recordado a la tradición pictórica de la ruina romántica en la que la naturaleza retoma lo construido por lo humano. Está siendo una primavera bellísima, gran paradoja en el contexto de la pandemia, la crisis sanitaria y la muerte que parece que nos acecha tanto estos días. La naturaleza vive de espaldas a esta tragedia humana, e incluso se aprovecha de nuestra desaparición para reclamar lo que se la ha quitado. Cada mañana disfruto ver cómo las plantas brotan entre las grietas de las aceras de la ciudad, a pesar de que son síntoma de nuestra precaria situación como especie y nuestra búsqueda de cobijo para protegernos.

Artista multidisciplinar y pionero en el arte tecnológico interesado por la basura electrónica y los excesos de la sociedad de consumo. Su trabajo indaga sobre el papel que ocupa el individuo en un mundo hiperconectado y su impacto en el planeta.

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4 de Mayo de 2020

HYPER STUDIO

La cuarentena ha pillado a Cristóbal y Diego, HYPER STUDIO, entre varios lugares. La semana antes de decretar el estado de alarma estaban en Ámsterdam, el día antes de que lo decretaran, en Marrakech, y dos semanas después debían haber viajado a Tokyo. “Atrapados” en Madrid, nos proponen una pieza que nos permite conectarnos con distintos lugares del mundo. itsalwaysrainingsomewhere.com se alimenta de 50 cámaras que emiten en tiempo real, ubicadas por todo el mundo, de Asia a América, del fondo del mar al espacio. Cada 10 segundos, en un orden aleatorio, la obra se conecta a una cámara delante y otra cámara detrás. En cada instante, tres lugares se conectan, se crea un vínculo, se traza un puente que vuelve a conectar el mundo entre sí.

 

 

HYPER STUDIO es un dúo artístico formado por Cristóbal Baños y Diego Iglesias que investiga la relación entre los individuos y sus entornos tecnológicos, ya sea mediante el movimiento del cursor en una pantalla o del cuerpo en un espacio, creando experiencias interactivas que relacionan lo físico y lo virtual.

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6 de Mayo de 2020

La Ribot

«Para mí, los colores son seres vivos, individuos altamente evolucionados que se integran con nosotros y con el universo entero. Los colores son los verdaderos habitantes del espacio.»

– Yves Klein

La Ribot es coreógrafa, bailarina, realizadora y artista visual, aunque esta lista de disciplinas puede resultar restringida, ya que es una creadora radicalmente multidisciplinar. Sus proyectos parten del movimiento, del cuerpo y de sus propios orígenes en la danza, para luego adoptar otras prácticas más amplias.

 

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11 de Mayo de 2020

Leyla Cárdenas

La artista colombiana Leyla Cárdenas ha querido rescatar para el Proyecto ÍNTIMO, un trabajo de 2017 que por su temática encaja a la perfección con los tiempos que estamos viviendo.

«El tiempo profundo es el concepto del tiempo geológico. El marco temporal de millones de años dentro del cual los científicos creen que la tierra ha existido, y que está respaldado por la observación de fenómenos naturales. Me parece muy poderosa esta noción de tiempo profundo pues confirma que es en el espacio donde se almacena el valor del tiempo.

Empieza con este bello texto de Ralph Ingersoll donde parafrasea el Corán: «En presencia de la eternidad, las montañas son tan transitorias como las nubes». Usando la antípoda como una metáfora geográfica, la cámara «lee» lentamente a través de la estratigrafía de una montaña erosionada, haciendo un paralelo entre una «construcción geológica» y una «construcción humana». Lo que aparece al revés es una pared de tierra apisonada que se encuentra en estado de ruina en las afueras de Bogotá. El segundo texto a medida que avanzamos dice: «este mundo con todos sus detalles ha sido elaborado y aniquilado, y será elaborado y aniquilado: infinitamente» es un texto de Borges citando a Hume.»

Leyla Cárdenas

Aventurarse a entender cómo pasa el tiempo, buscando cómo hacer visible tanto su fragmentación como su concurrencia, es el impulso que ha acompañado a Leyla Cárdenas desde el principio de su carrera. Sus obras responden al espacio físico, al lugar, tomando en consideración la arquitectura y el contexto de sus inmediaciones, y generando, a su vez, varios niveles de significado. Entre sus intereses radica el análisis de la textura palimpséstica del espacio urbano; la ciudad misma, entendida como nodo de tiempos, espacios, interpretaciones, historias y memorias.

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14 de Mayo de 2020
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Duane Michals

En estos tiempos es necesario, además de reflexionar, añadir a nuestra vida diaria una buena dosis de sentido del humor.
Estamos seguros de que vais a sobrellevar el fin de semana mucho mejor después de ver las propuestas de Duane Michals.
Es un honor contar con la colaboración para el Proyecto Íntimo con uno de los nombres más prestigiosos de la vanguardia norteamericana.

Duane Michals nació en 1932 en McKeesport, Pennsilvania.

Sin estudios fotográficos formales, Michals irrumpe en una era dominada por el fotoperiodismo documental.  Desde muy pronto, Michals también comenzó a incorporar textos a sus secuencias e imágenes sueltas.  Lejos de ser interpretaciones pedantes de su trabajo, estos textos contaban historias o hacían preguntas como forma de expandir el ámbito de la foto. A lo largo de su carrera, Michals ha usado estos métodos aparentemente simples para contemplar con fascinación infantil temas tan universales como el amor, la perdida, la inocencia y la inmortalidad.

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19 de Mayo de 2020

Rafael Lozano-Hemmer

Hoy os traemos la propuesta de Rafael Lozano-Hemmer.

«Resolví dejar el comercio y dedicarme á cosa mas laudable como ir á ver el Mundo y sus maravillas.»

-Américo Vespucio

Rafael Lozano-Hemmer está considerado como uno de los artistas electrónicos más relevantes de nuestro tiempo. Desarrolla instalaciones interactivas que son la intersección de la arquitectura y el arte performativo que se caracterizan por la mediación entre el cuerpo de sus espectadores y los dispositivos tecnológicos. Y más que mediación, por plantear cierto grado de necesidad entre ambas partes para lograr el ejercicio de interpretación de la obra.

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22 de Mayo de 2020

Hisae Ikenaga

«Sin duda cada vez es más frecuente el surgimiento de aparatos y aplicaciones que nos facilitan tareas del día a día. Al estar confinados por el coronavirus, los hogares de las familias con hijos se han convertido en escuelas y en la mayoría de los casos aparatos como teléfonos, ordenadores y tablets son herramientas esenciales.
En el caso de este vídeo, el traductor de Google con la herramienta de cámara, permite la traducción simultánea de todo lo que parezca una letra. El uso imprescindible de esta herramienta, ya que los deberes son en lenguas que no dominamos, me llevó a descubrir, junto a mis hijas, un juego infinito; palabras que se traducen, que pierden su sentido, que se mueven si movemos la mano y que dependiendo del soporte del que partamos pueden ser de lo más absurdas.»

Hisae Ikenaga suele trabajar con objetos cotidianos que altera para dar diferentes significados y usos. Ha trabajado en diversas series: confrontando procesos de producción industrial y artesanal, humanizando objetos, utilizando objetos “globales” (objetos comprados en tiendas de cadenas mundiales que manipula y luego organiza sus partes de diferentes maneras para dar nuevas opiniones sobre las particularidades de la vida cotidiana) y mostrando posibles ¨anomalías genéticas¨ en objetos producidos en masa.
En la serie ¨Sistema Métrico campo de Fútbol¨ Midió diferentes espacios en comparándolos con otros espacios o cosas, estas referencias no tienen nada que ver con el sistema métrico decimal establecido. En la serie de obras «Multifuncional» transformó muebles agregando piezas de otros muebles que en lugar de convertirse en multifuncionales, terminaron siendo completamente inútiles. En las últimas piezas, reproduce muebles metálicos tubulares que reflejan la frontera entre diseño y arte como objeto cotidiano.
La ironía y lo absurdo juegan un papel clave en su trabajo.

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25 de Mayo de 2020

Jorge Perianes

Durante años, Jorge Perianes ha guardado, como un tesoro, sus cuadernos de trabajo. Muchos bocetos han terminado siendo obras extraordinarias. Otros están esperando, pacientemente encuadernados, a que llegue su momento.
Hoy os proponemos entrar en su mundo a partir de algunas páginas seleccionadas. De fondo, el artista ha escogido un tema de uno de sus grupos preferidos; los «Young Marble Giants» que se adaptan a la perfección a las imágenes.
El artista nos sugiere, además, disfrutar de las imágenes apoyándonos en una frase de Walter Benjamin:
«El Ángel Nuevo […] prefiere liberar a los hombres quitándoles algo antes que satisfacerlos dándoles algo, para captar a una humanidad que se confirma en la destrucción.»

Vemos con el cerebro, no con los ojos, por ello es importante analizar en qué se basa nuestra mente para construir e inventar elementos, cuáles son sus motores y cuál es el porqué y el cómo de una interpretación de lo real. Estas cuestiones propias de la ciencia son abordadas por Jorge Perianes desde la práctica artística buscando una posible edificación y un discurso positivo, en el que se unan a la manera clásica y poética, símbolos distantes (en apariencia) para buscar nuevos significados o “salidas” al mundo.

 

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29 de Mayo de 2020

Jessica Stockholder

Jessica Stockholder ha estado trabajando desde casa, donde ha creado una colección de trabajos sobre papel que ha cocido, dibujado, pegado, doblado, pintado y roto, haciéndolos difíciles de clasificar. Queremos compartirlos con vosotros.

Hemos incluido dos poemas: uno creado por su hijo a modo de regalo del Día de la Madre, y otro creado por la propia Jessica.

Las construcciones desmadejadas de Jessica Stockholder  han jugado frecuentemente  un papel crucial en expandir el dialogo entre la escultura y la pintura. La artista fusiona objetos cotidianos, aparentemente dispares, como farolas, partes de coches, mangueras, recipientes, alargaderas, maderas, alfombras y mobiliario. De esta manera,  Stockholder dirige la atención hacia estos objetos relacionando la sensualidad y el placer evocado por el color con el orden formal, esforzándose en llamar la atención de los límites de la comprensión.El uso de color es también crucial ya que orquesta un cruce entre lo pictórico y el espacio físico, demostrando cómo el significado deriva de lo físico.  Stockholder dibuja un plano conformado por numerosas tradiciones artísticas, incluyendo el Expresionismo Abstracto, la pintura de campos de color, la  instalación y el Minimalismo.

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2 de Junio de 2020

Miler Lagos

Empezamos la semana con «Attraction» de Miler Lagos. Fue creada hace 15 años pero pensamos que no ha perdido un ápice su actualidad.

Un globo de feria «perdido» desata un encuentro inesperado. Lo que hoy nos parece inofensivo, mañana puede no serlo. El artista alude a la levedad de los sentimientos y la fragilidad de todo lo que rodea al ser humano.

Y nos recuerda la hermosa frase de José Val del Omar:
«La vida es sólo una explosión al ralentí, y yo pretendo comprimirla hasta convertirla en éxtasis, en eterno instante».

La práctica de Miler Lagos se fundamenta en el diálogo y la experimentación con los materiales, quienes se manifiestan como agentes catalizadores de las cuestiones centrales en su discurso artístico.
Uno de sus puntos fundamentales de reflexión es la relación entre las imágenes y los objetos, entre contenido y contenedor. La madera o el papel le sirven como medio de representación para su interés en la intersección entre la naturaleza y la cultura. Hay un profundo interés en estudiar cómo el ser humano ha modelado su espacio o ha sido modelado por las condiciones ambientales y geográficas. Igualmente hay una intención de concienciación sobre la conservación del medio ambiente y cómo gradualmente convertimos la naturaleza en un recurso para habitarla, en materia prima, en sólo un vehículo.
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7 de Junio de 2020

Inma Femenía

La casa ha sido un refugio, un todo en estos días. Hemos repensado el hogar observando las vidas que nos rodean, redescubriendo los matices que denotan su presencia a través de la observación y la vigilia.

En España, llevamos 84 días en estado de alarma. Ya queda menos.

El trabajo de Inma Femenía se caracteriza por la relación entre materia y percepción visual,
evidenciando su conexión con el ámbito digital. Estrecha los vínculos entre el mundo virtual y el
mundo real, destacando el interés por el imaginario que construimos a través de las pantallas.
Licenciada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València en 2008. Máster Oficial en
Producción Artística de la UPV, 2009-2010. Durante estos años fue galardonada con varios
premios. En 2013 se trasladó a Berlín para continuar con su investigación y empezar a explorar la
relación entre arte e industria, volviendo a Valencia dos años más tarde, en 2015. En 2017, fue
nominada al premio The Paulo Cunha e Silva Art Prize de Porto y ganadora del premio
Senyera de Artes Visuales de Valencia.
Más sobre Inma Femenía
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12 de Junio de 2020
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Charles Sandison

Durante el confinamiento en Finlandia, tuve acceso al bosque. Por la noche, he estado preparando vídeos utilizando un pequeño proyector portátil. Gran parte de mi inspiración viene del bosque -de estudiar la naturaleza.

Siempre estoy buscando códigos y significados escondidos en los árboles y los lagos.

Así que, en lugar de crear una representación artística de la naturaleza, llevo el arte al bosque y le pregunto a los árboles qué piensan.
El título del vídeoclip es Leyes de la naturaleza.

El segundo vídeo con el rostro es una proyección de una piedra funeraria sumeria que encontré en el Museo Metropolitano de Nueva York el año pasado.
Me gustó la idea de liberar la imagen en el contexto del bosque finlandés sin público.

Mis mejores deseos,

Charles Sandison

Charles Sandison (Reino Unido 1969) vive y trabaja en Tampere, Finlandia.

Originario de Escocia, Sandison estudió en la Escuela de Arte de Glasgow. Después de su graduación en 1991, exhibió y fue asociado con el movimiento de artistas jóvenes británicos. Sin embargo, en 1995 Sandison se trasladó a Finlandia, lugar más idóneo para desarrollar su arte. Sandison es un artista pionero en su extenso trabajo con arte generativo y vida artificial. En sus proyecciones de data combina lenguaje, forma, arquitectura y movimiento.

Más sobre Charles Sandison

Íntimo es un proyecto de la Galería Max Estrella, que nace como reflexión durante el periodo de tiempo que dure la situación de emergencia. Si quieres recibir las nuevas ediciones de Íntimo directamente en tu e-mail, suscríbete a nuestra Newsletter.

Artistas participantes (en orden de aparición): Aitor Ortiz, Eugenio Ampudia, Bernardí Roig, Nacho Martín Silva, Markus Linnenbrink, Val del Omar, Marco Godoy, Almudena Lobera, Daniel Canogar, Leyla Cárdenas, La Ribot, Hyper Studio y …

Si quieres saber más acerca del proyecto, de los artistas o de la galería, escríbenos directamente a info@maxestrella.com

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©2020 Galería Max Estrella

Diseño y desarrollo: HYPER STUDIO